ARTISTES AUTOCHTONES
Le mot « Warli » vient de warla, un morceau de terre. Les racines autochtones des Warlis appartiennent à la terre de leurs ancêtres.
La peinture Warli se limitait à la vénération de la déesse-mère lors des occasions telles que les mariages ou les naissances.
Jusqu'à la fin des années 1960, l'art pictural de cette tribu était le fait exclusif des femmes. Cet art rituel ancestral a subi un changement radical au cours des années 1970 : Un homme, Jivya Soma Mashé, se mit à peindre, non pas à la seule occasion des rituels, mais quotidiennement. Son talent fut très vite remarqué au niveau national. Il a reçu directement de la main des plus hauts responsables politiques de l’Inde, dont Madame Indira Gandhi, les plus importantes récompenses artistiques indiennes. Il a participé à des expositions au niveau international.
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Anil Vangad est l’un des artistes Warli les plus prometteurs de l’art tribal contemporain indien. Nous sommes fières de le compter parmi nos artistes.
Les œuvres d’art produits par des habitants des communautés tribales de Pardhan Gond en Inde sont profondément liées à leur vie quotidienne. Les couleurs et les textures montrent un idéal de beauté inné de Pardhans, completés par des formes et des symboles traditionnels. Comme chez d’autres Gonds, les arts visuels traditionnels des Pardhans servent de décoration à leurs maisons.
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Venkat Raman Singh Shyam est un artiste contemporain, reconnu à l'international. Il perpétue la tradition de la peinture Gond avec des sujets contemporains. Nous sommes heureux de vous présenter quelqu'unes de ses oeuvres.
Avec un riche ancrage dans la tradition hindoue, la région de Mithila au Bihar est renommée pour une continuité culturelle entre les générations. La décoration de la maison est transmise entre mère et fille. Alors que les femmes de la famille peignaient les Gosainghar (les sanctuaires colorés de la maison) ou les Kohbharghar (les chambres nuptiales), les hommes peignaient les parties extérieures de la maison.
Depuis cinquante ans, les styles de peinture de Madhubani ou de Mithila ont fusionné de différentes écoles .Les hommes ont commencé à peindre, apprenant des femmes âgées maîtres-artistes. Alors que les thèmes restent les mêmes, imprégnés des siècles d'hindouisme, les styles se croisent et ont créé maintenant un nouveau langage symbolique. Aujourd'hui ces peintures sont créées sur des supports classiques contrairement aux peintures murales d’autrefois.
Depuis 1960 des artistes comme Sita Devi, Ganga Devi et d'autres sont devenus célèbres dans la campagne de Mithila.
Ils pratiquent dans trois écoles de peinture
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Bharni: à l'origine les toiles de couleurs de terre sont peintes par des brahmanes. Ils utilisent pour obtenir la couleur noir, les cendres des lampes. Les couleurs rouge et ocre proviennent des fleurs. Aujourd’hui ils utilisent de l’aquarelle et de l’encre noir.
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Le style linéaire katchni avec des couleurs délavées a été réalisé par la communauté Kayastha. A l’origine les scribes et les comptables, utilisaient leurs outils de travail, encre et stylo avec du jaune curcuma délavé et du rouge vermillon.
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Un troisième style, godhna, s'inspire des traditions de tatouage des basses castes. Les peintres travaillent sur du papier lavé à la boue, pour créer des motifs répétitifs de figures simples à l’encre noire.
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Le Dhokra est un art ancien de moulage du bronze. Cette technique de la cire perdue remonte à plus de 4000 ans et on lui trouve une créativité contemporaine. Il prend ses origines généralement dans la vie tribale, des scènes de la vie, du monde fantastique des forêts, des motifs religieux et des représentations contemporaines de la vie des peuples Kondh.
Bhupendar Bhagel est le dernier dans une longue lignée d’artistes à avoir créé des sculptures pour les rituelles des peuples autochtones depuis plusieurs générations. Son père Jaidev Bhagel a eu une renommée internationale et a rendu son œuvre accessible au marché d’art contemporain. Il fut le premier sculpteur de ce genre à être représenté dans les musées à travers le monde. Aujourd’hui c’est son fils qui continue la tradition avec une technique ancienne et des représentations contemporaines.
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Le mot Pichwai a ses racines dans le sanskrit pich (derrière) et wai (suspendu). Une forme d'art traditionnelle qui a émergé au 17ème siècle au temple Nathdwara au Rajasthan. Les Pichwais sont des peintures riches en imagerie dédiées à Shrinathji et sont généralement accrochées derrière l'idole de la divinité dans les temples. Ces œuvres d'art minutieusement peintes à la main célèbrent les différentes humeurs et expressions de Krishna, et représentent principalement les rituels de la parure de Shrinathji selon les saisons ou les festivals.
Au fil du temps, la peinture Pichwai a été pratiquée dans des divers styles locaux. Le plus reconnaissable d'entre eux est le style Nathdwara, connu pour ses portraits expressifs. Les vaches, synonymes de Dieu, sont montrées en abondance, tout comme le lotus et de nombreux autres symboles particuliers au culte de Krishna. Le thème de l'amour est prédominant, celui de Krishna et Radha, ou les gopis et encore spirituellement les âmes humaines dans une danse divine avec le Dieu créateur.
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